w przestrzeni
ich wyobraźni

Mieszkający we Wrocławiu game developer. Miłośnik syntezatorów, instrumentów klawiszowych i programowania wizuali.

Ala Nunu, europejska reżyserka animacji, obecnie mieszkająca w Portugalii. Posiada doświadczenie w reżyserii i kierownictwie artystycznym projektów komercyjnych i artystycznych, w tym seriali telewizyjnych, kampanii społecznych, teledysków i filmów krótkometrażowych. Jej portfolio obejmuje pracę dla Universal Studios i Frank Sinatra Estate.Ala Nunu jest też współzałożycielką międzynarodowej kooperatywy produkcyjnej COLA, gdzie pomaga realizować szeroką gamę projektów od krótkich metraży po multimedialne projekty VR.

Solar.w (Aleksey Efremov) to artysta, którego projekty stanowią unikalne połączenie sztucznej inteligencji, motion designu i rzeczywistości rozszerzonej. Eksperymentuje z wykorzystaniem obiektów wirtualnych w świecie rzeczywistym i obiektów rzeczywistych w przestrzeni wirtualnej. Jego prace wprowadzają widza w ową hybrydową przestrzeń, umożliwiając wyjątkowy sposób interakcji ze sztuką. 

Alicja Kopczyńska, zawodowa plastyk na specjalizacji Fotografii Artystycznej oraz magister Sztuki Mediów po wrocławskiej ASP. Zajmuje się wieloma mediami takimi jak animacja, fotografia, film, sitodruk i rzeźba. Animacje tworzy głównie rysunkowe, analogowe rozwiązania są bliższe jej sercu. Zajmuje się fotografią dokumentalną i inscenizacyjną. Fotografuje techniką analogową i cyfrową. Wyrażanie samej siebie uzupełnia za pomocą działań aktorskich.

Studentka scenografii z wielką pasją do kostiumów i animacji, od wielu lat oddaje się projektowaniu i szyciu unikalnych strojów. Jej zamiłowanie do detali oraz umiejętność pracy z różnorodnymi materiałami pozwalają jej tworzyć wyjątkowe prace, które przyciągają uwagę i zdobywają uznanie. Ponad rok temu odkryła fascynujący świat animacji 2D i 3D, który od tego czasu stał się jej kolejną wielką pasją. Jej prace łączą w sobie precyzję rysunku z kreatywnością narracji wizualnej.

Studentka grafiki na wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych. Wszystkie swoje prace tworzy w kawiarni, gdzie może liczyć na ciągłe zaopatrzenie w kawę i stałą kreatywną przestrzeń. Interesuje

się ilustracją, animacją i plakatem– cały czas eksperymentuje, odkrywa siebie i stara się nie skupiać na jednej dziedzinie artystycznej. Rocznie pochłania ponad 70 książek i liczy, że kiedyś znajdzie jedną z własnymi ilustracjami na półce sklepowej.

Anderson Tegon zajmuje się sztuką cyfrową i cyfrowym street artem, zmieniając marzenia w rzeczywistość. Urodzony w Brazylii, wychowany w Peseggia, małym miasteczku w prowincji Wenecja, jego artystyczna podróż prowadziła go przez kontynenty, odciskając cyfrowe ślady od Chin po Bliski Wschód. Jego wyjątkowy dar polega na przekształcaniu przestrzeni w futurystyczne arcydzieła, które komunikują niezliczone treści.

Absolwentka Grafiki Projektowej wrocławskiego ASP. Interesuje ją projektowanie identyfikacji wizualnych, logo i animacja, eksperymentuje w łączeniu grafiki 2D z 3D. Ma nadzieję związać swoją przyszłość z branżą 3D.

Anya Asano to anonimowa osoba tworząca w technice cyfrowej, działająca w Oakland w  Kalifornii. Prace Asano wykraczają poza tradycyjne granice sztuki, łącząc szereg technologii  cyfrowych i tworząc unikalny styl wizualny: kalejdoskop kolorów, form i faktur, w którym elementy  wirtualne i rzeczywiste przeplatają się w niezwykłym układzie pikseli i wieloboków.

Anže Sekelj jest artystą multimedialnym, tworzącym głównie instalacje, wideo, kompozycje, design i dźwięk. W swoich pracach bawi się przede wszystkim percepcją przestrzeni, eksponując zjawiska zachodzące w dzisiejszym społeczeństwie. Zręcznie wykorzystuje techniki multimedialne, zawsze zacierając granice między używanymi środkami wyrazu, tworząc spójny, ale różnorodny zbiór prac. Jego prace zazwyczaj wymagają emocjonalnej reakcji, którą wyzwala poprzez specyficzne połączenie estetyki i znaczenia.

ARI DYKIER jest twórcą audiowizualnym mieszkającym w Polsce. Przez większość swojej kariery skupiał się na tworzeniu filmów. Jego pasja do animacji doprowadziła go do realizacji animowanych wizualizacji w stylu kolażu, który czerpie z tradycji surrealizmu. Inspirował się takimi artystami jak Jan Lenica, Bruno Schulz i Brothers Quay, a także wypracował własne rozwiązania, eksplorując podświadomość, podążając za snami i wspomnieniami. Używa dawnych ilustracji, aby odtworzyć doświadczenie snów i onirycznej rzeczywistości, czerpiąc inspirację z dziecięcych bajek, filmów, obrazów, książek i muzyki. Jest autorem wielu spektakli AV na żywo, instalacji 360°, AR, mappingów i klipów wideo.

Student wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych na kierunku sztuka mediów. Interesuje się wieloma dziedzinami sztuki, od tych klasycznych takich jak rysunek i malarstwo, po te nowoczesne, jak film czy fotografia. Lubi pracować nad paroma projektami z różnych dziedzin sztuki na raz. Fakultatywnie zajmuje  się typografią. Kurator galerii sztuki MD_S, współzałożyciel corocznej wystawy projektowania graficznego „Welart”. Aktualnie pracuje nad dyplomem magisterskim.

Barbara Skałecka, studiuje Grafikę na ASP we  Wrocławiu. Jest zaangażowana  w akcje społeczne – w 2022 roku brała udział w akcji pomocy dzieciom z Ukrainy i  współprowadziła zajęcia plastyczne dla najmłodszych. Jej pasją są tradycyjne techniki plastyczne, takie jak rysunek i grafika artystyczna.

Barnaba Mikułowski [Vaticinator] jest polskim artystą cyfrowym i współzałożycielem HackerSpace: Wrocław. Przez sześć lat pełnił funkcję dyrektora artystycznego w Cat-Astrophe Games. Obecnie pracuje na Wydziale Sztuki Mediów, gdzie specjalizuje się w grafice komputerowej, sztucznej inteligencji i instalacjach interaktywnych. Brał udział w ponad 70 wystawach.

Benjamin Bardou jest artystą wizualnym i twórcą filmowym, pionierem estetyki chmur punktów i  wideo wolumetrycznego. Prace Bardou zgłębiają motywy miasta, snów i pamięci w  kontemplacyjnej refleksji nad tym, jak miasta przechowują wspomnienia i jak te wspomnienia z  kolei kształtują tożsamość i narrację miejskich krajobrazów. 

Jego artystyczna droga obejmowała współpracę z firmami takimi jak Apple, Microsoft i artystami  takimi jak Ridley Scott, Liam Wong, Woodkid, Ikumi Nakamura i Ash Thorp.

Borys Górski, student Łódzkiej Akademi Sztuk Pięknych, twórca poruszający się w obrębie sztuki nowych mediów. W jego pracach często przewija się wątek konfrontacji człowieczeństwa z technologią. Jednocześnie realizacje te funkcjonują jako jego osobista fantazja o przyszłości, rozbudowana o realne dylematy i obawy co do naszych losów. Inspiracji często szuka w literaturze fantastycznonaukowej i futurystycznej. Czerpie mocno z estetyki czy motywów poruszanych przez gry wideo oraz filmy. Podczas procesu tworzenia szuka możliwości na interakcje odbiorcy z pracą.

Dalena Tran jest artystką zajmującą się mediami i edukatorką mieszkającą i pracującą w Los Angeles. Jej twórczość bada ograniczenia mediów i technologii w konstruowaniu miejskich wizji. Jej prace były prezentowane na całym świecie, w tym na New York Film Festival, MoMA PS1 i ICA London.

Damien Tran jest artystą-samoukiem i muzykiem mieszkającym we Francji. Tworzy plakaty muzyczne, druki artystyczne, ziny i filmy animowane przy użyciu starej kserokopiarki. Jest także współzałożycielem Palefroi, studia sitodruku, struktury wydawniczej i duetu artystycznego z Marion Jdanoff.

Danaé Gosset jest założycielką i szefową kreatywną Pencil TV, multidyscyplinarnego studia  kreatywnego zajmującego się produkcją animacji i projektowaniem graficznym. Do jej klientów  należą takie marki jak Netflix, Warner Music, Hermes, Apple, Spotify i wiele innych.  Artystyczna wizja Danaé charakteryzuje się eteryczną estetyką oraz marzycielskimi i żywymi  obrazami zaprojektowanymi tak, aby wywoływać emocje poprzez widoczne pociągnięcia pędzla i  dotykową, ręcznie rysowaną wrażliwość. Korzystając z bogatej palety żywych odcieni, artystka  zabiera widzów w urzekające wizjonerskie podróże. 

Jako artysta cyfrowy, motion designer i dyrektor kreatywny, David Bennett wykorzystuje w swojej pracy różnorodne umiejętności i zainteresowania. Napędzane nietrwałością ruchomego obrazu, jego prace zawierają przesycone wizualizacje, które oscylują między abstrakcyjnymi i figuratywnymi, cyfrowymi przebłyskami codziennego życia i przypadkowymi efemerydami. Wykorzystując celowe użycie wzoru, koloru i rytmu jak również techniki generatywne, automatyczne i proceduralne, same prace są często dekonstruowane i poddawane recyklingowi jako cyfrowe nasiona do kolejnych edycji. Muzyka jest często inspiracją i siłą przewodnią, która napędza rytmiczne i sekwencyjne decyzje. Bennett mieszka i pracuje w Nashville, Tennessee, USA.

Twórca audiowizualny, animator. Student na kierunku Sztuka Mediów na Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta.

FB

Elżbieta Anna Wieland jest studentką Filmu Eksperymentalnego. Jest trzykrotną stypendystką Rektora Akademii Sztuki w Szczecinie oraz otrzymała Stypendium Artystyczne Miasta Szczecin w 2023 roku. Jest absolwentką szkół muzycznych I oraz II stopnia ze specjalizacją instrumentalną (saksofon i fortepian). Jej prace filmowe pokazywane były na międzynarodowych festiwalach m.in. w Berlinie, Rzymie, Atenach, Toronto, Karlovac.

Guli Silberstein jest twórcą wideo, mieszkającym w Londynie. Odkąd ukończył studia magisterskie na kierunku Media Studies w The New School w Nowym Jorku w 2001 roku, jest głęboko zaangażowany w sztukę cyfrową. Wykorzystując efekty wizualne, glitch i sztuczną inteligencję, tworzy nowe formy ekspresji wizualnej i sekwencje marzeń sennych, badając poznanie i percepcję człowieka za pomocą technologii cyfrowej w kontekście społeczno-politycznym.

Studentka Grafiki na wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta.

Zajmuje się przede wszystkim grafiką, ale eksploruje także takie płaszczyzny sztuki jak animacja czy rzeźba, miłośniczka słowa pisanego oraz muzyki. Tworzy w każdej z powyższych dziedzin. Wraz ze swoją babcią opublikowała krótką, ilustrowaną historię pt. “Bajka o Przyjaźni”.

FACEBOOK

INSTAGRAM

Hubert Kurkiewicz w działaniach artystycznych porusza wątki związane z nostalgią, sentymentami z dzieciństwa oraz sferą hipnagogii. Pojawiają się one jako powracające motywy przewodnie, zakorzenione w głębi podświadomych uczuć i instynktów, kształtując istotę twórczej ekspresji. Prace Huberta były pokazywane m.in. na Copenhagen Light Festival 2022 oraz 2023; Extinction Rebelion w Studio Teatrgaleria, Kinomural 2022, fundacji Rodziny Staraków oraz Kulturnatten 2023 w Thordvalsens Museum (DK).

Jack Gray jest animatorem i filmowcem mieszkającym w Filadelfii w USA. Jego prace łączą tradycyjne i eksperymentalne techniki animacji, z wykorzystaniem zabawnych postaci i zapętlonych sekwencji.

Jadwiga Beń, studentka Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu, specjalizuje się w grafice projektowej, użytkowej oraz generatywnej. W 2018 roku została wyróżniona na XV Międzynarodowym Biennale Twórczości Dzieci i Młodzieży  „Wielcy znani i nieznani – William Turner – słońce we mgle” oraz otrzymała roczne stypendium PROMOVERE TALENTA.

Facebook: Jadwiga Beń

Jake Fried używa tuszu i korektora w płynie do kreowania hipnotycznych wizji, wielokrotnie  modyfikuje i nagrywa swoje obrazy, tworząc niesamowite animacje. Filmy Frieda były wystawiane  na aukcjach Christie’s, pokazywane w Tate Modern i na Sundance Film Festival, a także  powstawały na zamówienia Adult Swim, Netflix i licznych galerii sztuki na całym świecie.

Julius Horsthuis, artysta cyfrowy, po 15 latach kariery w holenderskim przemyśle filmowym i rozrywkowym, najpierw na planie, a później jako twórca i supervisor efektów wizualnych, zaczął eksperymentować z technikami animacji fraktalnej, tworząc wyjątkowe połączenie abstrakcyjnej i kinowej animacji.

Julius stworzył teledyski dla Maxa Coopera, Meshuggah, Erica Serry i tła wizualne dla Avicii, Lady Gagi i innych.

Jego fraktale były również częścią trzeciego odcinka Gabinetu Osobliwości Guillermo del Toro: Autopsja i opery Upload Michela van der Aa.

Julius kontynuuje eksplorowanie granic fraktalnej sztuki immersyjnej zarówno w przestrzeni fizycznej, jak i cyfrowej: VR.

Studentka Sztuki Mediów na ASP we Wrocławiu. Pasjonuje się tworzeniem gier i animacją. W tym roku odkryła, że lubi pracować z dziećmi (i do tej pory jest tym zadziwiona). Wiele z jej prac jest skierowanych do najmłodszych widzów. Eksploruje też tematy emocji, relacji międzyludzkich i tego, co niedostrzegalne na pierwszy rzut oka.

Studentka wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych na kierunku Sztuka Mediów. Interesuje się filmem oraz literaturą z zakresu filozofii i psychologii, z których czerpie inspiracje. Przygodę z animacją rozpoczęła na studiach, podczas których narodziła się również jej pasja do grafiki 3D.

Kathrin Hunze jest artystką nowych mediów, badaczką sztuki i wykładowczynią mieszkającą w Berlinie. Tworzy prace wideo, instalacje i performanse na przecięciu różnych form inscenizacji w kontekście ruchomego obrazu i nowych mediów. Jej poszukiwania artystyczne koncentrują się na analizie procesów, mechanizmów i etycznych aspektów nowych technologii oraz ich skutków w ramach systemów złożonych.

Ken O’Connell stworzył ponad 16 krótkich filmów eksperymentalnych i animowanych. Ukończył również ponad 46 szkicowników/dzienników i wystawiał prace ceramiczne, fotograficzne, rysunkowe i akwarelowe.

Kerim Safa jest tureckim artystą cyfrowym i muzykiem żyjącym w Holandii. Tworzy pixel art,  animacje, sztukę audiowizualną i muzykę elektroniczną. Jego minimalistyczne prace cechuje  prosta kolorystyka i powtarzalne wzory. Dzięki wykształceniu w dziedzinie sztuk pięknych i muzyki  oraz wieloletniej pracy przy tworzeniu gier wideo, Safa doskonale łączy metody z różnych  dziedzin. Udostępnia swoje prace na różnych blockchainach i zdobywa uznanie w obszarze sztuki  cyfrowej. 

Kidmograph [Gustavo Fernando Torres], urodzony w Argentynie, jest dyrektorem  artystycznym, motion designerem, artystą 3D, malarzem oraz tradycyjnym i cyfrowym  ilustratorem.  

Od 2005 roku pracuje online przy teledyskach, wizualizacjach na żywo, wszelkiego  rodzaju animacjach i wystawach sztuki na całym świecie.  

Jego prace są eklektyczne, ale spójne w czasie, z silnym naciskiem na uniwersalne  tematy przy użyciu różnych stylów i kombinacji wizualnych.  

Silne odniesienia opierają się na latach eksperymentowania z malarstwem i mieszanymi  mediami.  

Wczesne wpływy sci-fi, anime z lat 80. i 90., ruchy artystyczne końca XX wieku,  postmodernizm i późniejsza estetyka sztuki cyfrowej, która pojawiła się wraz z  komputerami domowymi i oprogramowaniem, ruch vaporwave, błąd jako sztuka i ciągłe  poszukiwanie różnych języków artystycznych.  

Jego współpraca z artystami takimi jak The Strokes, Nas, Kanye West, Justin Bieber, The  Weeknd i markami takimi jak Nike, Apple, Adidas, Honda ma zasięg globalny.  

Kim Asendorf to niemiecki artysta wizualny, który wykorzystuje połączenie eksperymentalnych i konceptualnych technik do tworzenia abstrakcyjnych animacji, obrazów i rzeźb. Dzięki automatyzacji i algorytmom Asendorf buduje cyfrową estetykę natywną, tworząc immersyjne doświadczenie twórcze.

King Deluxe/Ivan Gopienko to niezależny twórca filmów animowanych pochodzący z Białorusi, obecnie mieszkający w Warszawie. Współtwórca i reżyser filmów w Juniper Animation Studio. Ma ponad 9-letnie doświadczenie w branży animacji, reklamy i postprodukcji. Używa wielu różnych technik i eksperymentuje z narracją. Jego praca z motywami podświadomości i snów urzeka atmosferą i głębią. Jego twórczość obejmuje również eksperymenty, teledyski i animacje dla planetariów.

W skład Kolektywu YAYO wchodzą: Kamila Milewska, Adam Sagucki i Adam Koper. Studiują w Krakowie, a ich video na Open Call zostało zrealizowane jako debiutancka praca kolektywu.

Larry Cuba jest uważany za pioniera animacji komputerowej i jest najbardziej znany ze swojej animacji komputerowej do sekwencji akcji Gwiazdy Śmierci w filmie „Gwiezdne Wojny: Epizod IV – Nowa nadzieja” (1977). Jego prace charakteryzują się kaskadowymi motywami, zaskakującymi zmianami perspektywy i precyzyjną, matematyczną strukturą.

Lillian Schwartz jest pionierką sztuki generowanej komputerowo. W latach 1969-2002 była „gościem-rezydentem” w Bell Laboratories i Lucent Technologies, tworząc przełomowe filmy i prace multimedialne. Słynie z ekspansywnego sposobu myślenia, mistrzostwa w tradycyjnych i eksperymentalnych mediach oraz umiejętności tworzenia inspirujących połączeń między nauką, sztuką i technologią.

Louis Morton jest artystą-animatorem ze środkowozachodniej części Stanów Zjednoczonych. Jego twórczość jest inspirowana rytmem muzycznym, historią, wspomnieniami i naturą. Jego filmy i wideo były pokazywane na festiwalach takich jak Sundance, Ann Arbor, Pictoplasm. Obecnie jest profesorem nadzwyczajnym w Milwaukee Institute of Art and Design.

Maciej Doening – urodzony w Krakowie, student grafiki na wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie jest również członkiem Koła Naukowego Grafiki Artystycznej. Od 2024 pełni funkcję Rzecznika Prasowego Samorządu Studenckiego ASP.

Marcelina Żurek, studentka piątego roku grafiki na ASP we Wrocławiu. Zajmuje się głównie projektowaniem graficznym, sitodrukiem, ilustracją i tatuowaniem. W swoich pracach tworzy nierealne światy, często zachowane w sennej atmosferze. Fascynuje ją tworzenie wyimaginowanych wnętrz i estetyka lat osiemdziesiątych. Złamana perspektywa, zniekształcone stworzenia, nadprogramowe oczy to elementy, które często wykorzystuje w swoich pracach.

Maria Mikołajewska, studentka grafiki na Akademii im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu, tworzy animacje generatywne w programie Touch Designer, najczęściej w formie performansów audiowizualnych. 

Ewa Zielonka jest studentką grafiki na Wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta. Tworzy generatywne animacje, często prezentowane jako audiowizualne performensy. Jej prace charakteryzują się minimalizmem, łącząc prostotę formy z nowoczesną estetyką.

Ewa Zielonka IG

Maria Mikołajewska IG

Matthew Biederman pracuje w obrębie różnych mediów i kontekstów, architektur i systemów, społeczności i kontynentów od 1990 roku. Tworzy prace, w których światło, przestrzeń i dźwięk odzwierciedlają zawiłości percepcji. Jest współzałożycielem Arctic Perspective Initiative, wraz z Marko Peljhanem pracuje nad projektami w regionie okołobiegunowym.  Mieszka i pracuje w Montrealu, w Kanadzie.

https://www.instagram.com/matthewbiederman/

Pierce Warnecke jest artystą cyfrowym pracującym zarówno w dziedzinie dźwiękowej, jak i wizualnej. Jego projekty z pogranicza muzyki eksperymentalnej, sztuki cyfrowej i wideo są inspirowane wpływem czasu na materię i limitami doświadczeń sensorycznych. Oprócz prac solowych regularnie współpracuje między innymi z Frankiem Bretschneiderem, Matthew Biedermanem i Keithem Fullertonem Whitmanem.

https://www.instagram.com/piercewarnecke/

Max Hattler jest artystą i naukowcem zajmującym się animacją abstrakcyjną, instalacją wideo i performansem audiowizualnym. Jego podejście jest „oparte na odkrywaniu i otwartym umyśle”, początkowo nie określa dokładnie, co chce uzyskać, ale używa prób i błędów oraz ciągłej edycji, aby dotrzeć tam, gdzie chce. Posiada tytuł magistra Royal College of i doktorat w dziedzinie sztuk pięknych na University of East London. Jego prace były pokazywane na festiwalach i w instytucjach na całym świecie, a nagrody to m.in. Supernova, Cannes Lions i Visual Music Awards. Mieszka w Hongkongu, gdzie jest profesorem nadzwyczajnym na City University of Hong Kong.

Melania Jurczyszak jest studentką grafiki na wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych. Najważniejszym aspektem jej twórczości jest dla niej eksperymentowanie i łączenie technik.

Michał Socha, grafik, animator, scenarzysta i reżyser. Z dziekańskim wyróżnieniem ukończył Wydział Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Specjalizuje się w krótkich formach animacji i efektach specjalnych do reklam oraz produkcji telewizyjnych.

Michał Tadeusz Golański, grafik artysta urodzony w Warszawie, szczególnie zainteresowany nowymi, dygitalnymi wymiarami grafiki użytkowej i tym samym motion graphic design. Laureat nagród krajowych i międzynarodowych, min. zwycięzca 25-ego Biennale Plakatu w Warszawie, Biennale BICeBé w La Paz (Boliwia), czy Międzynarodowego Konkursu Plakatu Teatralnego w Odessie (Ukraina). Pracuje we Włoszech.

Mikołaj Otwinowski – wrocławianin,  student wrocławskiej ASP na kierunku Fotografia i Multimedia. Współzałożyciel  studia WE’LL zajmującego się produkcją krótkich form filmowych. Film to główne medium w którym się porusza, zwykle działa jako autor zdjęć/operator kamery, zajmuje się też montażem. W swoich pracach filmowych i fotograficznych lubi używać niekonwencjonalnych oraz analogowych technik obrazowania rzeczywistości.

Ned Wenlock jest reżyserem animacji z 15-letnim doświadczeniem i najbardziej znany jest ze swojego wyrazistego i kreatywnego stylu animacji 2D. Pracował zarówno w świecie reklamy, jak i teledysków, tworząc animacje dla MGMT, Hondy, McDonalds i wielu innych.

Newnome Beauton, znany również jako Artem Grigorov, jest artystą generatywnym z doktoratem z biologii molekularnej. Od 2019 roku używa oprogramowania do renderowania w czasie rzeczywistym do estetycznej eksploracji systemów matematycznych i biologicznych. Szczególnie interesuje go łączenie tych elementów w celu odkrywania granic między tym, co żywe i nieożywione. Poprzez swoje czarno-białe prace stara się inspirować do głębszego spojrzenia na złożone wzorce rządzące naszym światem.

Páraic Mc Gloughlin jest artystą mieszkającym w Sligo w Irlandii. Ukończył studia licencjackie z malarstwa na ASP w Poznaniu. Jego zainteresowania obejmują rozmaite media, w szczególności fotografię i film. Prace Paraica zgłębiają napięcie pomiędzy abstrakcją a realizmem.

Kevin Mc Gloughlin jest filmowcem i artystą mieszkającym w Sligo w Irlandii, pracującym głównie jako reżyser – animator, głównie w abstrakcyjnej i ekspresjonistycznej formie. Kevin jest samoukiem. Swoją karierę artystyczną rozpoczął jako malarz, a następnie zajął się fotografią, filmem i animacją.

Kevin IG: @kevinmcgloughlin_gram
Paraic IG: @paraicmcgloughlin

Gao Yang jest debiutującym projektantem wizualnym i artystą cyfrowym mieszkającym w Pekinie w Chinach. Jako dziecko był uczony tradycyjnego chińskiego malarstwa i często używa narzędzi cyfrowych i języka wizualnego, aby odtworzyć swoje doświadczenia z dzieciństwa, patrząc z wyjątkowej perspektywy na przeplatające się koncepcje kulturowe i zjawiska starożytnych i współczesnych Chin. Fascynuje go odkrywanie delikatnej i zmysłowej, skoncentrowanej na człowieku strony technologii.

Paulina Landkocz, absolwentka informatyki na Uniwersytecie Wrocławskim, studiuje Grafikę na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu oraz Informatykę w Biznesie na Uniwersytecie Ekonomicznym. Jej twórczość koncentruje się na łączeniu świata cybernetycznego ze sztuką, często poruszając tematykę transhumanizmu. Dzięki umiejętnościom programistycznym i wrażliwości na piękno, tworzy hipnotyzujące obrazy inspirowane matematycznymi wzorami i algorytmami, nadając im nowy kontekst i głębię. Interesuje się przetwarzaniem języka naturalnego oraz nowinkami w dziedzinie sztucznej inteligencji.

Pejtjer wykorzystuje rozmaite kreatywne narzędzia do tworzenia niezwykłych dzieł, głęboko zakorzenionych w wieloletniej fascynacji science fiction i kosmicznym horrorem. Wychwytując kluczowe elementy tych gatunków, Pejtjer tworzy animacje 3D, które urzekają widzów swoimi innowacyjnymi i unikalnymi strukturami. Łącząc niesamowite i złowieszcze obrazy ze skomplikowanym projektem dźwiękowym, Pejtjer kreuje immersyjne doświadczenia, które przenoszą widzów do fantastycznych, pozaziemskich krain.

Peter Foldès (1924-1978) był węgiersko-brytyjskim animatorem. Był jednym z pierwszych animatorów wykorzystujących technikę tweeningu.

Jego film Hunger zdobył Nagrodę Jury w kategorii filmów krótkometrażowych na Festiwalu Filmowym w Cannes.

Piotr Łobodziec jest studentem na Wydziale Grafiki i Sztuki Mediów Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Jego zainteresowania artystyczne obejmują fotografię oraz realizacje 3D. Choć swoją przygodę ze sztuką rozpoczął od fotografii, to pełnię wyrazu artystycznego odnalazł dopiero w tworzeniu wirtualnych trójwymiarowych prac. W swojej twórczości skupia się na tematach związanych z duchowością i przemijaniem, które stanowią inspirację do głębszych refleksji nad ludzką egzystencją.

https://www.instagram.com/darkpalered/

Audio kolaż non-camera.

Słowa klucze do tego filmu to taśma, loop, kolaż, analog.

Film powstał w trakcie warsztatów dla studentek i studentów w Pracowni Filmu Animowanego wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych im. E Gepperta.

Dźwięk nadzorował i zmontował XCOPYpro / Adam Frankiewicz /

Superwizja i edycja obrazu: kinoMANUAL /Aga Jarząb i Maciek Bączyk/

2024

Rafa Diniz jest twórcą i edukatorem sztuki komputerowej z Brazylii. Z wykształcenia muzyk, obecnie pracuje jako artysta komputerowy, tworząc zarówno dzieła wizualne, jak i dźwiękowe. W swojej pracy wykorzystuje języki programowania (kreatywny kod) i koncentruje się na sztuce generatywnej, interaktywnej, wizualnej i audiowizualnej.

Luis Ángel Orduña Gutiérrez to artysta audiowizualny z Mexico City, który łączy kompozycję muzyczną z elektronicznymi i wizualnymi eksperymentami, czego efektem jest jego praca przy projekcie „Ranura Vacía” i awangardowym projekcie jazzowym „Antiánima”.  W 2022 roku wydał album muzyczny, któremu towarzyszyły stworzone przez niego wizualizacje.

Z Antiánima ruszył w niemiecką trasę koncertową, która zakończyła się występem na renomowanym festiwalu Jazzahead!. Płynna integracja elementów słuchowych i wizualnych Luisa kreuje fascynujące widowiska, które urzekły publiczność na całym świecie.

Rapapawn to studio animacji założone przez Óscara Rañę i Cynthię Alfonso w 2017 roku. Tworzą psychodeliczne wizualizacje przy użyciu surrealistycznych obrazów, szybkich cięć, kolorów i abstrakcyjnych kształtów. Współpracowali z takimi artystami jak Holy Fuck, Dan Deacon i Cola, a także z takimi firmami jak WeTransfer, The New York Times, MOOG, Bandcamp i Givenchy.

Marcin Pospiech, znany również jako reinfected.me, jest absolwentem Akademii Sztuk  Pięknych we Wrocławiu. Jest projektantem multimediów, obecnie mieszkającym i  pracującym w Londynie. Osobiste podróże psychiczne i doświadczenia wyobcowania  przekłada na krótkie filmy, konfrontując się tym samym ze swoimi największymi fobiami.  Współpracując z kompozytorami muzyki, takimi jak Lady Gaga, Tool czy Trentemøller,  tworzy animacje przenoszące widzów w alternatywne wymiary, w których często  dominuje szaleństwo.

Rimas Sakalauskas to artysta wizualny znany z przekraczania granic sztuki multimedialnej. Ma rozległe wykształcenie w dziedzinie animacji, efektów wizualnych i produkcji wirtualnej, zdobyte w takich instytucjach jak Royal College of Arts, Gnomon Workshop i Wileńska Akademia Sztuk Pięknych. Filozofia twórcza Sakalauskasa inspirowana jest nauką, fizyką i naturą przetworzoną przez człowieka. Artysta wykorzystuje statyczne obiekty i architekturę, tworząc nihilistyczną, ale intrygującą wizję świata. Jego prace eksperymentują z różnymi formami materii i wstawiają mistyczne obrazy do realistycznych środowisk, tworząc poczucie dyskomfortu i fascynacji. Jego wkład w świat sztuki przyniósł mu tytuł najlepszego młodego artysty na ArtVilnius’17.

Robert Seidel jest artystą i kuratorem mieszkającym w Berlinie i Jenie. Studiował biologię i media  design, a to podwójne wykształcenie jest widoczne w jego pracy artystycznej: tworzy projekcje,  instalacje i filmy eksperymentalne, których celem jest przesuwanie granic abstrakcyjnego piękna  poprzez podejścia kinematograficzne, a także te zaczerpnięte z nauki i technologii.  W swoich projekcjach wizualnych często wykorzystuje konceptualne i rzeczywiste powierzchnie ,  takie jak formy architektoniczne oraz samodzielnie stworzone lub przywłaszczone formy  rzeźbiarskie. 

Materiał do tych medialnych przeplotów często pochodzi z natury i abstrakcyjnego spojrzenia  nauki na naturę, takich jak obrazy MRI lub skany 3D. 

„Moje prace podejmują zadanie stworzenia spójnej, osobistej utopii wskazującej na uniwersalne  możliwości sztuki w przepływie historii i jej tarcia z teraźniejszością”. – Robert Seidel

Sabina Lorens, 25-letnia artystka, ukończyła socjologię na Uniwersytecie Warszawskim w 2022 roku, a obecnie studiuje sztuki mediów na ASP we Wrocławiu. Odnajduje się głównie w rysunku, także animowanym, oraz fotografii. W swoich pracach wykorzystuje często metody analogowe, które pozwalają jej na autentyczne wyrażenie siebie.

Sander to estoński reżyser filmowy, który uwielbia absurdalne historie z przesłaniem.

Stworzył cztery wielokrotnie nagradzane filmy krótkometrażowe, w tym Sierra, pierwszy estoński film animowany, który znalazł się na krótkiej liście do Oscara. Ma doświadczenie w mappingu VJ, teledyskach, animacji muzealnej i wielu współpracach, nieustannie odkrywa nowe możliwości w animacji.

Sawako Kabuki to japońska artystka, która rozpoczęła swoją karierę w wytwórni wideo dla  dorosłych. Czerpie inspirację z japońskich grafik z lat 70. i śmiałych kompozycji Ukiyo-e.  Jej pełne kolorów i kontrastów animacje łączą tradycję z nowoczesnością, kreując humorystyczne  i dynamiczne krótkie historie. Prace Kabuki są metaforą ludzkiej kondycji, odzwierciedlają nasze  pragnienia, obawy oraz złożony zbiór emocji i doświadczeń, które czynią nas takimi, jakimi  jesteśmy.

Seskamol studiował na Wydziale Rzeźby Instytutu Sztuk Pięknych Uniwersytetu Anadolu. Podczas studiów zaczął tworzyć rzeźby kinetyczne i instalacje wideo. Od ponad 14 lat zajmuje się projektowaniem dźwięku i muzyki. Kontynuuje również pracę w dziedzinie sztuki generatywnej i rzeźby kinetycznej. 

Shusaku Kaji jest artystą audiowizualnym mieszkającym w Osace w Japonii.
Tworzy abstrakcyjne obrazy/dźwięki przy użyciu sygnału elektrycznego i syntezatorowych gadżetów. Poprzez hybrydowe połączenie technik analogowych i cyfrowych obrazuje przede wszystkim prymitywne i fundamentalne piękno naturalnych zjawisk i materii.

Jego prace były pokazywane na wielu międzynarodowych wystawach na całym świecie.

Sohyun Lee jest wielodyscyplinarną artystką zajmującą się multimediami i instalacjami. Mieszka w Kolonii. Bada relacje między ludźmi a technologią, koncentrując się na współpracy między sztuką a nauką. Jej twórczość tworzy interakcję między ucieleśnionymi bytami fizycznymi a cząsteczkami cyfrowymi. Ten schemat digitalizacji 3D i fizycznej struktury współistnieje w antropologiczny, technologiczny i futurystyczny sposób. Jej prace wideo były pokazywane w Seulu, Berlinie, Kolonii, Düsseldorfie, Stuttgarcie, Tbilisi, Timişoarze i Tel Awiwie. Jej eksperymentalne prace były również wystawiane w TIC Gallery w Brnie w Czechach i IP Studio we Wrocławiu.

Steven Mertens jest reżyserem i animatorem, pracującym na różnych formatach, od animacji poklatkowej po animację 3D, live action i design. Ponadto wykorzystuje możliwości sztucznej inteligencji do poszerzania horyzontów artystycznych, tworząc treści wykraczające poza tradycyjne normy.

Steven reżyserował teledyski dla takich artystów jak Sheryl Crow, Duran Duran, Regina Spektor, Wiz Khalifa i Deca.

Przed rozpoczęciem kariery reżyserskiej często koncertował jako basista z kilkoma zespołami. To doświadczenie pozwala mu płynnie łączyć swoje kreacje wizualne z muzyką. Mieszka w Los Angeles.

Takeshi Murata to artysta, który eksploruje szeroką gamę mediów i technik, w tym wideo, animację, data-moshing i CGI. Jego twórczość koncentruje się wokół procesu tworzenia obrazu i koncepcji cyfrowego życia po życiu.

Tim Maxwell mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Jego prace są inspirowane celtyckimi manuskryptami, średniowiecznymi ilustracjami Sądu Ostatecznego, geometrią, ludzkimi ornamentami oraz muzyką punk i hardcore. Z niesamowitą precyzją tworzy niezwykłe, ręcznie rysowane iluzje za pomocą pióra atramentowego. Jego prace były szeroko komentowane w czołowych publikacjach, takich jak New York Times, New Yorker i magazyn Art on Paper.

AGATA BARTOS

Absolwentka holenderskiej Akademii Sztuk Pięknych w Arnhem. 

Artystka konceptualna, mixed-media tworzy na pograniczu sztuk plastycznych, teatru i filmu. Jest współautorką projektu filmowego THRESHOLD, tworzonego z Tomkiem Tryzną. 

IG

TOMEK TRYZNA

Niezależny i eksperymentalny filmowiec od 16 roku życia. Scenarzysta i pisarz. Autor powieści tłumaczonych na całym świecie. Jego najsłynniejsza książka, bestsellerowa „Panna Nikt”, była promowana przez Czesława Miłosza i została zekranizowana przez Andrzeja Wajdę. W latach 90. wyreżyserował telewizyjny serial dokumentalny „Kaskaderskie opowieści” oraz autorski średniometrażowy film „Czy można się przysiąść”. W 2022 r. na Warszawskim Festiwalu Filmowym premierę miał jego debiut fabularny „Światło nocy”.

Urodzona i mieszkająca w Hongkongu Tsz-wing Ho jest animatorką i ilustratorką. W procesie tworzenia swoich prac, bada możliwości sztuki abstrakcyjnej.

Postrzega animację jako rozrywkę, która może skupiać się na prezentowaniu estetycznych aspektów sztuki lub po prostu na dostarczaniu radości widzom. Kolor i rytm są ważnymi elementami jej prac, które są pełne obiektów zsynchronizowanych z muzyką.

Urszula Romańska jest osobą studencką na trzecim roku Sztuki Mediów na ASP we Wrocławiu. Wcześniej ukończyła studia biologiczne na Uniwersytecie Wrocławskim, dzięki czemu w swojej twórczości integruje naukę z artystycznym wyrazem. W swojej pracy artystycznej szczególnie interesuje się performansem oraz teoriami feministycznymi i genderowymi. Jej twórczość ostatnio eksploruje kwestie związane z językiem, jego rolą w kształtowaniu percepcji świata. Podziwia tańczące ciało, ekopoetycznie patrząc na świat.

IG

Adam Zadroga studiuje na trzecim roku Sztuki Mediów na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, obecnie współpracuje z Ulą Romańską. Specjalizuje się w animacji, formach przestrzennych oraz działaniach w przestrzeni publicznej, łącząc te dziedziny w swoich projektach. W swoich pracach stawia na połączenie perfekcjonizmu i wrażliwości.

IG

Val Re, dynamiczna meksykańska artystka, od pięciu lat uznaje Wrocław za swoją kreatywną bazę. Z bogatym wachlarzem zdolności twórczych, w tym fotografią, projektowaniem graficznym, animacją 3D, videografią, VJ-owaniem i fotografią antyczną, warsztat artystyczny Val jest niezwykle złożony. Jej prace odzwierciedlają jej spontaniczne spojrzenie i pasję do utrwalania ulotnych chwil, tworząc oniryczne i surrealistyczne krajobrazy, w których żywe kolory łączą rzeczywistość z fantastyką.

Vibeke Sorensen jest artystką i profesorką zajmującą się cyfrowymi multimediami i eksperymentalną animacją, interaktywną instalacją immersyjną i wizualnym performansem muzycznym. Jej praca na polu eksperymentalnych nowych mediów obejmuje pięć dekad i była publikowana i wystawiana na całym świecie.

Weronika Kowalczyk, studentka Sztuki Mediów II stopnia ASP we Wrocławiu. Absolwentka ASP z dyplomem licencjackim z Sztuki i Wzornictwa Szkła. Założycielka i członkini kolektywu Naked Man. Artystka multiartystyczna, posługująca się malarstwem, animacją poklatkową, filmem, fotografią i rysunkiem. Jej prace skupiają się na interpretacji ludzkiego istnienia, eksplorując zarówno fizyczne, jak i psychiczne aspekty ludzkiego bytu.

Weronika Leszczyńska, animatorka, absolwentka Wiedzy o Filmie i Kulturze Audiowizualnej na Uniwersytecie Gdańskim. Jest współreżyserką animacji “Wszystko jest remiksem”, która zdobyła główną nagrodę na festiwalu Cinerama Fest i zakwalifikowała się do półfinału w kategorii Najlepsza Animacja na Student World Impact Film Festival. Pracę “GAME OVER” stworzyła specjalnie na tegoroczny Open Call.

Weronika Marianna jest artystką wizualną pracującą głównie z animacją, przy pomocy różnych technik analogowych. Jej znakiem rozpoznawczym są rozedrgane uniwersa pełne melancholijnych stworzeń. Jej animacje pokazywane są na wielu festiwalach oraz w galeriach.

Weronika Nowacka to początkująca realizatorka autorskiego kina, która szuka artystycznej tożsamości i środków wyrazu, eksperymentując z technikami malarskimi i nieliniową narracją. W wolnym czasie malarka i działaczka społeczna.

Ewelina Duffy jest studentką piątego roku animacji w Poznaniu. W animacji rysunkowej najbardziej lubi nadawać pracy unikalnej organicznej jakości za pomocą farby.

Dla Wiktorii Mazurczyk animacja jest głównym medium do opowiadania o tym co przeżywa i jak odczuwa otaczającą ją rzeczywistość. W ten sposób nadaje życie, ruch i formę swoim wizjom i myślom. Mimo, że na co dzień zajmuje się ceramiką, to obecnie bez animowania nie wyobraża sobie swojego świata.

XKPЯX jest samoukiem eksplorującym interakcje z technologią i różnymi mediami cyfrowymi. Jego prace koncentrują się na formie ludzkiej i abstrakcji, z naciskiem na dekonstrukcję znanych elementów. Korzystając z oprogramowania i technik programistycznych, tworzy dynamiczne kompozycje balansujące na granicy eksperymentu i odkrywania. XKPЯX czerpie z estetyki telewizorów CRT, które wprowadzają retro energię wizualną. Koty są częstym motywem jego prac, nadając im unikalny charakter i element humoru, oraz wprowadzając odrobinę ciepła do technologicznej rzeczywistości.

YK Animation Studio to zespół pełnych pasji animatorów i ilustratorów. Studio z siedzibą w Bernie, w Szwajcarii tworzy oprawę dla szerokiej gamy projektów filmowych i powołuje je do życia.

Yoshi Sodeoka to artysta znany z innowacyjnej eksploracji różnych mediów i platform, w tym wideo, gifów i druku. Dzięki głęboko zakorzenionej pasji do muzyki, jego neo-psychodeliczny styl jest bezpośrednim odzwierciedleniem jego miłości i doświadczenia w tej dziedzinie. Sodeoka, czerpiąc inspirację z takich gatunków muzycznych jak noise, punk, metal i prog-rock, opracował unikalną wizję artystyczną, która obejmuje złożone i zmieniające świadomość wizualizacje.

Zuzanna Michalska ukończyła animację na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. Interesuje się animacją abstrakcyjną i eksperymentalną, a w swojej praktyce skupia się głównie na wizualizacji muzyki i stanów wewnętrznych.